Musica Della Chiesa

Musica di generalità

che è usata mentre una parte funzionale di culto cristiano corporativo può correttamente essere chiamata musica della chiesa. Varia notevolmente fra i gruppi religiosi a causa delle differenze nella tradizione, nel dogma, nel gusto, nel contributo finanziario e nei gradi di abilità musicale.

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La quantità di gran lunga più grande ed il livello elevato artistico di musica della chiesa possono essere trovati per il choir, cioè, nella musica choral. Le forme choral tradizionali della chiesa -- masse, Motets, anthems e Cantatas -- sono state sviluppate per soddisfare i bisogni dei liturgies da cui hanno balzato. I faiths di Nonliturgical non hanno contribuito le forme musicali significative ma hanno fornito le dimensioni supplementari a quelle chiamate qui.

La musica della chiesa in anticipo è stata intesa per il chorus del unison (Plainsong), ma l'accettazione generale di Polyphony in Medio Evo ha entrato le prestazioni di parte-musica nel choir, che più ancora avvantaggiato tramite l'aggiunta degli strumenti alla combinazione d'effettuazione. Durante gli anni più tardi, tali sects ampiamente differenti come ortodossi russo ed il Disciples di Christ hanno sollecitato la musica choral ma hanno proibito all'uso degli strumenti nel loro culto. La scienza cristiana impiega tradizionalmente soltanto un cantante solo. La maggior parte delle denominazioni hanno dipeso dai choirs, paid o volontario, per fornire alla massa della loro musica vocale, generalmente l'accompagnamento dell'organo. L'organo è stato una caratteristica importante di musica della chiesa perché soddisfa l'esigenza di varietà nel sostegno della musica choral senza imporre la difficoltà e la spesa di un insieme strumentale; è egualmente uno strumento soddisfacente per il canto principale di congregational.

Ci è stato un dibattito secolo-lungo sulla convenienza dell'idioma popolare in chiesa. Il borrowing dalle sorgenti secolari per "intoxicate l'orecchio" è stato deplorato nel quattordicesimo secolo dal papa John XXII e la materia mai da allora è stata depositata soddisfacentemente. Il Cantus Firmi della rinascita è stato preso spesso da Chansons. Luther ha adattato le arie secolari ai bisogni dei suoi chorales e, dalla metà del ventesimo secolo, gli idiomi pieghi e popolari sono stati compresi ancora nella musica della chiesa.

Elwyn A. Wienandt

Bibliography:
Davidson, A. T., Chiesa Music (1952); Douglas, W., musica della chiesa nella storia e pratica, invertitore da L. Ellinwood (1962); Ellinwood, L., la storia della chiesa americana Music (1953); Fellerer, K. G., la storia della chiesa cattolica Music (1961); Routley, Erik, Ventesima Chiesa Music (1964) Di Secolo; Stevens, Denis, Chiesa Music (1955) Di Tudor; Wienandt, Elwyn A., musica choral della chiesa (1965; repr. 1979) ed opinioni sulla chiesa Music (1974).

Plainsong

musica cristiana

Generalità

Plainsong è il nome dato (singola riga melodic) alla musica liturgical vocale monodic delle chiese cattoliche cristiane. È unaccompanied ed è solitamente nel ritmo che è libero, non diviso in una misura normale. Come usato comunemente, il plainsong di termini o il plainchant e gregorian chant sono sinonimi, anche se lo studio mostra prontamente che conforme a sia più complesso.

Storia

Dopo avere assistito ai servizi dello synagogue del sabbath, dei cristiani in anticipo riparati alla casa di uno dei loro membri per agape, o della festività di amore, di un reenactment di ultimo supper e della morte e del resurrection sacrificial di Christ. I cantors di Synagogue hanno assistito al agape ed hanno portato una musica specializzata ad una fede del principiante. Dalla canzone cantorial e dallo sviluppo melodic del declamation semplice, un profusion di liturgical chants sviluppato entro i quarti e quinto secoli. Come la diffusione della chiesa, tradizioni differenti di chant ha presentato, essere più importante Byzantine, vecchi romano, gallican e Mozarabic. Il chant di Roma si era sviluppato per il momento in cui del papa Gregory I (il grande; 590 - 604), dopo quale il corpo intero di romano chant è chiamato.

Sotto il reign di un papa di Byzantine, Vitalian (657 - 672), il liturgy e chant di Roma hanno subito una riforma completa, le frutte di cui sono state progettate per l'uso esclusivo della corte papal. Era questa chant quel Charlemagne, circa 150 anni più successivamente, diffusione durante l'impero frankish come parte dei suoi tentativi di unificazione politica. Vitalian (o Carolingian) chant, anche se altamente ornato, è stato caratterizzato da chiarezza grande della riga melodic. Come befitted i modelli accentual dei testi liberi di prosa, le melodie di chant sono state scritte in un ritmo libero usando le note di durata lunga e corta in una proporzione di due - uno.

In gran parte a causa dell'aumento di Polyphony, entro l'undicesimo secolo i subtleties di Vitalian chant erano abbastanza persi. Tutte le note sono state date la stessa durata di base ed il ritmo non era così più proporzionale ma equalist (quindi il planus o il plainsong di cantus di termine) ed il ornamentation è sparito gradualmente.

Cominciando nel dodicesimo secolo le note melodic essi stessi sono state alterate ed entro il sedicesimo secolo in anticipo le melodie erano state troncate ruthlessly.

Notazione

Nessun manoscritto liturgical esiste che contiene la notazione musicale da cui il vecchi romani chant come è stato sentito durante il reign del Gregory potrebbe essere letto o ricostruito. Ci è ogni ragione, tuttavia, che la tradizione del settimo secolo Vitalian chant è conservato fedelmente in noni e decimi manoscritti di secolo, le sorgenti reali più iniziali di chant. I segni musicali in ciò non sono scritti le note, ma piuttosto i depictions delle figure melodic essere seguito in aria dalla mano del conduttore, di cui il senso ha ricordato ai cantanti (cantorum di schola) delle note corrette ed ha indicato sia il ritmo che il ornamentation. Le figure notational sono state chiamate neumes e ci erano parecchi sistemi neumatic; i manoscritti più importanti e più completi che li contengono ora sopportano le scorticature 339 e 359 ed Einsiedeln 121 (nella notazione di scorticatura della st) e Laon 239 della st di numeri di chiamata (nella notazione de Metz).

I vari tentativi sono stati fatti negli undicesimi e dodicesimi secoli di scoprire i metodi di notating le melodie esattamente: in alcuni manoscritti le lettere alfabetiche che indicano i passi precisi sono state scritte sopra le sillabe del testo; più spesso, dentro così - la notazione diastematic chiamata, neumes semplificati è stata scritta sopra una - quattro righe del passo.

Durante i cento anni ultimi, i monks del abbey francese di Solesmes hanno paragonato le configurazioni melodic in manoscritti neumatic di nono e decimo secolo alle stesse melodie in notazione indicata da lettere e diastematic. Hanno ristabilito e correggevano le note delle melodie; tuttavia, hanno mantenuto il ritmo di equalist dell'undicesimo ed i secoli successivi, le indicazioni ritmiche neumatic soltanto come sfumature. Tali allievi di chant poichè Peter Wagner ha deplorato la perdita di un ritmo proporzionale, precisando l'inidoneità costante delle melodie ai testi quando le melodie sono capite nei termini di equalist. Il musicologist olandese gennaio Vollaerts (1901 - 56), contante pesante sulla MS Laon 239, ha sviluppato un sistema per l'interpretazione proporzionale dei neumes, così annullando il modo per una ricostruzione completa di Vitalian chant; anche se ulteriore la chiarificazione e la correzione sono necessarie, le sue teorie, più di quelle di qualsiasi altra, punto nel senso corretto.

Forme ed uso liturgical

Chant a giochi un ruolo integrale nell'ufficio totale e divine. Determinate parti in semplice, hanno regolato le formule sono assegnate agli assistere; le parti ordinarie sono cantate dal congregation nelle melodie semplici; il complesso chants adeguato alle festività del calendario liturgical è cantato dallo schola dei cantanti addestrati. Era i propers di massa e l'ufficio che era notated nei manoscritti neumatic. Due forme di base esistono: Antiphon e responsory. Entrambi hanno una struttura di aba, con i testi presi normalmente dagli psalms. Nel antiphon, A è musicale piuttosto diretto; La B è un verse solo regolato ad una formula semplice. La sezione di A nel responsory è relativamente complessa, con la B un veicolo ornate per il musicianship dei cantor.

Le parti adeguate della massa cantata dallo schola includono: (1) il antiphon del introit, o canzone dell'entrata di processional, che annuncia la festività che è celebrata che giorno; (2) il graduale, una risposta alla lettura prophetical del vecchio testament; (3) il alleluia, una risposta alla nuova lezione del testament ed introduzione alla lettura del Gospel; (4) il offertory, una parte di processional nella forma responsory modificata che ha due - quattro verses soli altamente ornate; e (5) il antiphon di Communion. Durante il resurrection del Christ di commemorazione di tempo, il graduale è sostituito da un alleluia; in tempo del penance o del dolore, il alleluia è sostituito da un tratto (verses di uno psalm); su determinate festività una sequenza è cantata. Le parti ordinarie della massa cantata dal congregation includono il eleison di Kyrie di petizione, il Credo o l'istruzione di credenza, il Sanctus, il noster di Pater (la Prayer del signore), la petizione Agnus Dei ed il hymn di elogio Gloria in excelsis.

L'ufficio, o "le ore canoniche," è un insieme di 8 ore di preghiera che sono sparse durante il giorno prima dell'alba al tramonto. Consiste del canto degli psalms, ciascuno preceduto e seguito da un antiphon adeguato alla festività o al giorno, con i hymns ed i orations. Le 2 ore principali sono lauds (6) e vespers (alle 18); l'ora di nocturnal dei matins include i prophecies e le lezioni cantati, con i responsories adeguati.

Bibliografia Della R John

Blackley
Il W Apel, Gregorian Chant (1958); La D Conomos, Byzantine Hymnology e Byzantine chant (1984); La D G Murray, gregorian chant secondo i manoscritti (1963); R/B C Pugsley, Il Eternal Sano (1987); J Rayburn, Gregorian Chant (1964); Solesmes, ed., musicale di Paleographie (1889), m. S Einsiedeln 121 (1894) e volume 10, m. S Laon 239 (1909); S J P Van Dijk, "il vecchio - patristica romano 80 (1962) di Studia", di Rite, "Papal Schola contro Charlemagne," in Organicae Voces (1963) e "urbano ed il Papal Rites in settimo e nell'ottavo secolo Roma," erudiri 12 (1961) di Sacris; J W un Vollaerts, proporzioni ritmiche in ecclesiastical medioevale iniziale chant (1960); P Wagner, introduzione alle melodie gregorian: Un manuale di Plainsong (1910); E Werner, Il Bridge Sacred (1959).

Musica Choral

Le generalità

il chorus di parole ed il choir -- entrambi derivati dai choros greci antichi, significando una fascia dei dancers e dei cantanti -- sono capite comunemente per significare un grande gruppo dei cantanti che uniscono le loro voci (con o senza l'accompagnamento strumentale) in parecchie "parti," o delle righe melodic indipendenti. Questa definizione, tuttavia, è molto elastica. Il tipo più comune di insieme choral oggi effettua la musica in 4 parti, ciascuno assegnata ad una gamma differente di voce: soprano (alta femmina), negativo per la stampa di cartamoneta (femmina bassa), tenore (alto maschio) e spigola (maschio basso). L'abbreviazione "SATB" si riferisce a questo tipo di "ha mescolato" il chorus ed alla musica composta per esso. Ci sono molti altri tipi comuni: chorus delle donne (due parti e di soprano negativi per la stampa di cartamoneta due, di SSAA), chorus degli uomini (TTBB) e doppio chorus (due gruppi distinti di SATB), chiamare alcuni. Molti impianti choral sono in più o più meno di 4 parti, da soltanto uno ("monophonic, "tutti i cantanti che cantano la stessa melodia) all'altretanto di parecchio dozzina (come 40-part nel motet Spen in alium, da Thomas Tallis, o determinati impianti 20th-century). Ancora, non ci è accordo quanto al numero minimo di cantanti "in un chorus." È stato suggerito, per esempio, che determinati impianti choral dai compositori quale Heinrich Schutz e J. S. Bach originalmente sono stati realizzati con appena un cantante ad una parte. Il termine più usuale per così piccolo gruppo, tuttavia, sarebbe non "chorus" ma "insieme vocale."

La distinzione (unica all'inglese) fra il choir ed il chorus è ragionevolmente chiara: un choir canta generalmente la musica di arte o sacred dei secoli più in anticipo (come "nel choir madrigal"), mentre un chorus è associato con gli impianti di concerto, l'opera, il teatro musicale e l'intrattenimento popolare. Tra altri nomi per i gruppi vocali, il randello di glee si riferisce solitamente ad un chorus della scuola; un chorale dei cantanti è un chorus di concerto; ed il significato del consort, correttamente un gruppo strumentale che gioca musica diciassettesima o 18th-century, a volte si estende per includere i cantanti.

Musica Choral Iniziale

Molte colture hanno tradizioni del gruppo cantare, ma i due che hanno posto i fondamenti di musica choral occidentale erano le colture greche ed ebree dell'era del pre-Cristiano. Il chorus nel dramma greco si è sviluppato dai gruppi che hanno cantato e ballato ai festivals religiosi. (il senso "del ballo" sopravvive in tali termini come la riga di chorus e di choreography.) Il vecchio testament contiene molti riferimenti al canto choral nelle occasioni importanti nella vita ebrea; il grande e choir abile al tempiale di Gerusalemme (fornita da una scuola famosa del choir fissata al tempiale) era il modello per i più piccoli choirs dello synagogue durante l'Israele antico. Sia la musica choral greca che ebrea di questo periodo era monophonic ed antiphonal -- cioè effettuato sensible a reagire fra i soloists ed i choirs, o fra due choruses.

Come sezione sotterranea di judaism, la chiesa cristiana in anticipo ha ereditato lo stile di anitphonal ma non lo splendor di culto pubblico ebreo. Presto dopo che l'imperatore romano Constantine il christianity ufficialmente sanctioned grande in 313, il primo cantorum di schola ("choir letteralmente la scuola, "così come il gruppo d'effettuazione da una tal scuola) sia fondato a Roma dal papa Sylvester I. Le scuole di questo tipo si sono unite con i monasteries (considerevolmente quelli dell'ordine fondato da San Benedict nel sesto secolo in anticipo) per sviluppare l'arte di canto choral. (la musica vocale secolare di questo tempo è stata effettuata solitamente dai cantanti, non dai choruses soli.)

Nei choirs medioevali in anticipo, un piccolo numero di uomini, o gli uomini ed i ragazzi, hanno cantato Plainsong, metrico liberano, la regolazione monophonic del testo liturgical. Fino all'ottavo secolo, quando la notazione musicale certa è stata inventata, le melodie del plainsong sono state passate oralmente giù dalla generazione alla generazione. Gregorian chant, una conseguenza delle riforme liturgical del papa Gregory I (590-604 regnato), si stato transformato in nella forma dominante di plainsong entro il decimo secolo e stato rimasto in uso da allora.

Parte-Cantando e la rinascita

La pratica di canto nel unison ha cominciato a condurre nell'ottavo secolo a Organum, che ha cominciato semplicemente come seconda parte di voce che si è mossa in parallelo con una melodia di chant, sopra o sotto esso. Entro l'undicesimo secolo, il organum aveva fiorito in uno stile vero polyphonic, in cui una o più parti indipendenti hanno partito e decorato la melodia (Polyphony). Inizialmente la provincia soltanto nei dei soloists esperti giocare o cantare insieme, polyphony ha raggiunto il choir presto nel quindicesimo secolo.

Entro questo tempo, il termine Motet era venuto significare una regolazione vocale polyphonic di tutto il testo latino sacred tranne le sezioni della massa. Fra circa 1450 e 1600, il motet e la massa si sono sviluppati nelle composizioni elaborate con tre - sei righe melodic, come negli impianti di John Dunstable, il DES Prez e Palestrena di Josquin. Andrea e Giovanni Gabrieli hanno aggiunto allo splendor di Venezia con gli impianti in otto parti o persino in più, effettuato dai choirs multipli. Nella chiesa dell'Inghilterra, che ha separato dalla chiesa cattolica in 1534, un motet su un testo inglese è stato conosciuto come un anthem (che è ancora il termine inglese ed americano per una parte choral cantata durante il culto) .

Mentre le composizioni in molte parti sono comparso, i choirs hanno cominciato a prendere la loro forma moderna: gli insiemi di cantanti si sono divisi nei gruppi secondo la gamma di loro voci. L'esclusione delle donne dai ruoli liturgical ha estendere al choir pure; le alte parti di voce sono state cantate dai ragazzi, dai cantanti di falsetto, o (in paesi cattolici dopo circa 1570) da Castrato. In Inghilterra specialmente, l'addestramento dei cantanti del ragazzo per i choirs della cattedrale si è transformato in in una tradizione affermata che continua oggi. Mentre Medio Evo sono venuto ad una fine, il formato medio di un choir ha cominciato ad aumentare gradualmente; il choir di Sistine a Roma, per esempio, si è sviluppato da 18 cantanti in 1450 - 32 di 1625.

L'Era Baroque

Virtualmente nessuna musica choral secolare ha esistito prima di 1600; la rinascita Madrigal, una canzone polyphonic, è stata effettuata soltanto raramente con più di un cantante ad una parte. Le prime opere italiane, di cui Orfeo di Claudio Monteverdi è l'esempio principale, rappresentano un tentativo di fare rivivere il dramma greco classico ed in modo da hanno caratterizzato il chorus prominente. Ma perché l'attenzione del pubblico concentrata sul virtuosity e sullo spettacolo soli, il chorus ha perso alcuna della relativa importanza nell'opera baroque. Ha prosperato, tuttavia, in Oratorio, una forma dell'opera di concerto che ha drammatizzato una storia (solitamente biblica) senza l'uso dei costumi o del paesaggio. I oratorios di George Frideric Handel a volte mettono il chorus davanti ai soloists nell'importanza; componendo per un pubblico inglese egalitario, ha lanciato "la gente" come protagonista in tali funziona come Israele nell'Egitto (1738).

Per i secoli, i instrumentalists avevano avuti l'opzione del gioco avanti su una o sull'altra delle parti del choir, ma ora i compositori quali Monteverdi ed Alessandro Scarlatti stavano dando loro il loro propri parti "di obbligato" (cioè non essere omesso).

Se composto per il compleanno o domenica del principe sul calendario liturgical, il Cantata ha incluso tali elementi operatic come i arias, i recitatives (un genere di narration cant-parlato) e spesso choruses, ma con un testo più probabile essere meditative o celebratory che drammatico.

La riforma, con la relativa dottrina "del priesthood di tutti i believers," ha portato le nuove idee circa musica della chiesa. I congregations di Calvinist hanno fatto la loro propria musica cantando gli psalms nel unison, evitante qualche cosa che smacked delle prestazioni, persino accompagnamento sull'organo. Martin Luther ha favorito il congregational che canta anche, ma ha mantenuto i choirs per il loro valore di inspirational. I cantatas dei compositori quale J. S. Bach e Georg Philipp Telemann comprendono i vecchi chorales tedeschi (arie del hymn) che quel Luther aveva raccolto.

Musica choral nell'età della democrazia

I giri politici ed industriali del diciottesimi ritardato e presto diciannovesimi secoli sono stati fatti per ordinare per musica choral. Un grande e codice categoria centrale prosperoso è emerso, desideroso per le realizzazioni culturali. Hanno fondato tali choruses come Berlino Singakademie -- un choir che contiene sia gli uomini che le donne dal relativo inizio in 1791. Molto un proprietario della fabbrica ha consigliato alla lealtà fra i suoi operai patrocinando un gruppo choral in cui potrebbero cantare. Il mania per Handel, continuante per le decadi dopo la morte del compositore, ha condotto alle mai-più grandi prestazioni di Messiah (un concerto de Londra in 1791 usati oltre 1.000 esecutore) ed alla formazione dei randelli choral quali i figli di Handel (Dublino 1810) e della società di Haydn e di Handel (Boston 1815). Il cavo del Handel seguente, compositori romantici ha glorificato la massa di umanità, se in questa durata symphony "di Resurrection" (del Mahler (del Beethoven symphony "choral") del seguente, negli impianti per il grandi chorus ed orchestra. Il chorus ha ritornato alla fase di opera in il vigore dopo la diminuzione durante il periodo classico. I metodi migliorati di pubblicazione e di distribuzione di musica hanno messo i segni acquistabili di nuovi favoriti di opera e di vecchi supervisori nelle mani delle società choral in ogni città e piccolo villaggio. La musica scritta per la chiesa è stata effettuata nei teatri e nella musica a volte nuova della chiesa (quale Requiem di Giuseppe Verdi, sonoro teatrale.

La musica choral è egualmente il media ideale per i sentimenti nazionalistici; in tempo della guerra la marea delle estensioni patriotic dei choruses sommerge la fase. D'altra parte, 20th-century funziona quale la corrispondenza di Requiem di guerra di Gurrelieder e di Benjamin Britten di Arnold Schoenberg l'potenza dell'espressione choral con un testo della protesta e dell'idealismo sociale.

Le tradizioni choral forti degli Stati Uniti sono arrivato con gli immigranti europei, diffusione con i programmi di musica nelle "public school" e sono state trasformate da musica della chiesa dell'Afro-Afro-American, che ha contribuito la complessità ritmica e la a chiam-e lo stile di risposta di composizione. I choruses professionali esplorano non soltanto il più vecchio repertory classico ma i nuovi impianti che contengono ogni innovazione trovata nella nuova musica strumentale: le serie di ingranaggi di tono e gli scorrevoli vocali di Krzysztof Penderecki, le tecniche aleatory (di probabilità) della gabbia del John e di Lukas Foss e la modello-musica di minimalist del vetro di Philip.

Bibliografia Di David

Wright:
Heffernan, C. W., Musica Choral: Technique ed Artistry (1982); Kjelson, L. e McCray, J., il manuale del cantante di musica choral Literature (1973); Robinson, R., Music Choral (1978); Wienandt, E., musica choral della chiesa (1965; repr. 1980); Giovani, M. del P., la tradizione choral, invertitore ed. (1981).

This presentation in the original English language

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